Como cada año, presentamos lo que consideramos el cine esencial que vimos durante 2017, tanto en la cartelera mexicana, plataformas digitales, así como en algunos foros alternativos independientes.
Debido a que no utilizamos los mismos cánones para evaluar propuestas de mero entretenimiento con aquellas que buscan el lado más crítico o artístico del cine, nuevamente van dos listas en dos grandes categorías:
* Los Blockbusters: cine comercial o de gran presupuesto; con apoyo de una distribuidora importante, y/o que busca principalmente entretener (aunque tenga cierto nivel artístico o de profundidad).
* El cine de autor y/o independiente: aunque tenga cierto nivel de comercialidad, está hecho de manera independiente, con fines artísticos, estéticos, de mandar mensajes sociales o trascender.
Hoy en día es fácil que algunos filmes caigan en ambas divisiones, así que no nos clavemos mucho con ello.
* También, por primera vez, vamos a incluir un apartado con algunos títulos esenciales en la Televisión.
Como siempre, este texto está libre de Spoilers, pero NO respondemos por los videos, ni comentarios en los mismos, que acompañan la descripción de cada película.
Finalmente, debido al caos absoluto que representan las fechas de estreno a nivel mundial, van a encontrar aquí películas de 2017, de 2016, y algunas que apenas llegarán a México en los primeros meses de 2018; por lo que también los invitamos a leer nuestro post de “El cine esencial de 2016”, donde encontrarán recomendaciones de algunas otras películas que tal vez pudieron ver en 2017 (por ejemplo, La La Land encabezó nuestra lista del año pasado, pero seguramente la han encontrado en otras listas de cine recientes que se arman solo con estrenos en cartelera).
La raíz de separar en dos listas lo esencial de cine, es para que películas como ésta puedan ser apreciadas: a veces no necesitas nada muy profundo, sino una simple buddy movie que te ayude a pasar un gran momento, y ésta es la mejor película de acción / comedia del año: simplona, pero muy divertida y bien dirigida (la escena del café / bar callejero es memorable).
En vez de tratar de competir con su anterior obra mayor Snowpiercer, Bong Joon-ho nos regala un relato divertido, emotivo, lleno de acción y grandes actuaciones y sobre todo sensibilizador acerca del trato ético hacia los animales. Nada raro, con una dirección soberbia por parte del sudcoreano y con una Tilda Swinton (tampoco nada raro) robándose el show.
Conmovedor, divertido, dramático y reflexivo retrato de una historia morbosa que se robó los titulares en Estados Unidos en los 90. La mayor virtud de I, Tonya, es lograr dejar claro que la historia de Harding no es una de maldad, poder, fama, envidia y soberbia; sino una de tristeza, clasismo, violencia y manipulación mediática… con una Margot Robbie que tendrá su justa nominación y una Allison Janney que tendrá su merecidísimo Oscar.
Aunque despreciada e infravalorada por los premios, cinéfilos y la crítica, lo cierto es que T2 es justo la cinta que tenía que ser. No es una calca del libro / secuela en que se basa, tampoco es un intento por repetir la fórmula de un clásico. Es justamente, un excelso (y aun divertido y satírico) reflejo de la vida, justo 20 años después: lo que un camino de exceso y transgresión puede traerte como consecuencias en una realidad que nunca es justa ni romántica. El mejor retrato de un grupo de parias sociales y lo que la vida adulta nos depara a todos.
No era frase publicitaria: amas u odias la más reciente obra de Aronofsky. Y en mi caso, la amé. Ya sea como analogía social, filosófica, bíblica, ambiental, de violencia social, de fama y deseo de pertenencia, o como mero ejercicio surrealista, pero el neoyorquino ha definido un estilo tenso y perturbador que no cae bien a todos, pero que, sin duda, lo eleva a un nuevo nivel cinematográfico. Está bien si no te gusta, pero es innegable que Mother! es un enorme manifiesto artístico de autor dentro del cine comercial.
Supongo que aquí me voy a tener que justificar: no hay grandes misterios de por qué la mayoría de las personas odió esta adaptación live-action: demasiado lenta y filosófica para los fans del Blockbuster promedio de acción… demasiado superficial y comercial para los fans del anime. Pero lo cierto es que Ghost in the Shell es una muy entretenida, y una muy bien hecha película de Ciencia Ficción que, a pesar de quedarse corta en la representación ontológica del material original, sí alcanza a plantear un válido cuestionamiento a la esencia de la humanidad a través de una puesta en escena simplemente espectacular. Véanla sin prejuicios y encuentren un gran relato de Sci-Fi.
Es un misterio el porqué tantas personas siguen esperando que todo el cine de superhéroes sea una comedia de explosiones como el de Marvel (no hay algo necesariamente malo en ello, hay que aclararlo… siempre y cuando no se espere que todo sea así), si justo cuando se rompen los paradigmas infantiloides, y se retrata el lado más “humano de los meta humanos”, es cuando se obtiene el mejor cine de este ahora subgénero. Logan, es la prueba más reciente e irrefutable de que llevar personajes con tanto potencial a un cine maduro, realista, humanizado y lejos de la perfección fantástica del mito del superhéroe, es la mejor fórmula para obtener la verdadera profundidad y explotar la complejidad de dichos caracteres. Y el resultado, es una de las mejores películas de superhéroes que se han hecho. Vamos a extrañar ver a Hugh Jackman con garras.
Muy pocos directores pueden presumir de tener una carrera impecable… y entonces está Edgar Wright. Solo el inglés puede convertir una película de acción / comedia / musical en una magna obra y una lección de edición cinematográfica. Construida por nota, bajo apoyo de coreógrafos, Baby Driver cuenta una historia, de amor, acción, música y autos, y todo ello con profundidad hilarante y una banda sonora de ensueño. Tanto en dirección, trabajo técnico y artístico, merece más reconocimiento, pero está siendo injustamente olvidada: Tal vez se deba a que, muchos la recordarán como la última película (al menos por varios años) del ahora infame Kevin Spacey, cuando el trabajo de Ansel Elgort, Jaime Foxx y Jon Hamm, (más la mencionada soberbia labor de dirección de Wright) son suficientes para que fuera etiquetada como una de las mejores películas de acción de los últimos años.
Sé que me voy a arrepentir de no colocar esta película en primer lugar. Y probablemente va a depender de mi estado de animo en el resto del año para que intercambie posición con la siguiente… ¿Por qué? Porque, lejos de cualquier chauvinismo, y a pesar de ser un tanto predecible, The Shape of Water es una obra magna, un cuento de hadas adulto, fantástico y emotivo, contado como solo Guillermo Del Toro puede hacerlo: con la capacidad de conectar con tus emociones más puras y, aun así, dotar al relato de oscuridad, ternura y drama suficiente para ser celebrada en parte iguales por el fan casual del cine que solo se quiere distraer, como por aquellos que siguen esperando arte en éste… Y Del Toro nuevamente lo ha logrado, como ya es costumbre en su enorme visión artística, a través de una casi cursi historia de amor: porque no importa qué tan torcidos, terroríficos, dramáticos, o monstruosos sean sus escenarios, sus personajes y sus contextos, el mexicano cuenta historias de amor; y esta vez ha contado una que está enamorando a todo aquel que la ve… no es que lo necesite (porque su legado en el cine ya está más allá de ello), pero probablemente éste sea el año que Guillermo Del Toro se haga del Oscar a la mejor dirección… ¿es su mejor película? A estas alturas, es casi imposible de decir, porque no hay una sola obra del jalisciense que no esté cargada de altísima calidad, y que tenga su corazón en ella. Pero sin duda, ha creado una de las mejores películas de la década.
No fue fácil, pero en el fondo parecía lógico el primer lugar: a pesar de todo lo que adoré la anterior película, pocas, muy pocas veces uno se encuentra ante una obra que marca una época, que concentra todo lo que representa el cine como arte y como entretenimiento, y que, por increíble que parezca, es una segunda parte de un clásico atemporal que definió a un género del cine… Pero lo cierto, es que, a pesar de que sus detractores critican su duración (el propio Riddley Scott, el padre del concepto, afirmó que era muy larga), a pesar de que hay quien afirma que no tiene suficiente acción, Blade Runner 2049 es, simple y sencillamente, una obra maestra: capaz de brillar por sí misma, como pieza técnica, como obra de arte, y como secuela imposible, al mismo nivel que la original, con un respeto absoluto por sus orígenes, con una expansión lógica y mágica de su universo. Denis Villenueve entregó una de las mejores películas de ciencia ficción de este siglo, y de paso, se consolidó como uno de los mejores directores de la actualidad… Éste es el camino para continuar un legado, expandirlo y mejorarlo; el camino para humanizar la visión distopia tecnológica, para revivir caracteres icónicos y para añadir personajes inolvidables.
La premisa básica de la Ciencia Ficción es encontrar en la existencia tecnológica, nuestra humanidad; en otros mundos, el valor del nuestro; y en los actos imposibles, el valor de lo esencial de la vida… Y Blade Runner 2049 cumple con todo ello. Es un clásico de esta generación.
A destacar también en el cine comercial:
A Cure for Wellness:
Excelso relato tétrico de tintes lovecraftnianos y de paranoia en aumento. De lo mejor del terror psicológico del 2017.
Get Out:
Entre el horror, comedia (aunque se enoje su director) y crítica social, una de las mejores cintas de terror independiente de los últimos años.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri:
Un reparto formidable, arropado bajo un increíble guion cargado de drama y humor negro por igual (probablemente el mejor del año). No en vano está sorprendiendo en las entregas de premios de la temporada.
Justice League:
Aquí, a diferencia de Ghost in the Shell, NO me voy justificar: soy un férreo defensor de Zack Snyder (a fin de cuentas, él firmó hace una década la mejor película de superhéroes que se ha hecho). Divertida, emocionante y con un ensamble actoral extremadamente carismático… ojalá algún día veamos su corte original sin el manoseo de Warner y Whendon.
Logan Lucky:
Steven Soderbergh regresa en grande: Hilarante Heist movie con un reparto extraordinario. Una de las mejores comedias del año.
Hidden Figures (2016):
Una de las mejores películas científicas y feministas que se han hecho. Divertida y profunda por igual.
The Beguiled:
No sé si la mejor, pero, al menos, la película de Sofia Coppola que más he disfrutado. Excelentemente actuada y fotografiada.
War for the Planet of the Apes:
Esta nueva trilogía es casi perfecta, y éste es un emotivo y brillante cierre a la misma.
Thor: Ragnarok:
Ya en el descaro absoluto, Marvel ya solo hace comedias, pero, hay que reconocerlo, muy bien hechas y con un increíble cast. Curiosamente, las mejores partes de la película son la “serias”.
IT:
Nunca fui muy fan de la original, pero, en lo personal, este remake me gustó más. Buena película de terror, pero áun mejor analogía de la violencia infantil.
Alien: Covenant:
A muchos no les gustó, pero lo cierto es que esta secuela de Prometheus conecta hermosamente con la nueva mitología, además de ser una de las más oscuras y desesperanzadoras películas de la saga.
Wonder Woman:
Tal vez estaría más arriba si no fuera por cuánto me molestan las posturas geopolíticas de su protagonista… pero sin duda, es una de las mejores películas de acción del año.
Life:
Terror cósmico emocionante y efectivo, con un final para recordar.
Split:
El gran, gran regreso de M. Night Shyamalan: es su mejor película en este siglo, y su secuela promete ser espectacular
Hell or High Water (2016):
Western moderno imperdible con un retrato social crudo y desolador.
Coco:
Tal vez nuestro patriotismo la ha sobrevalorado mucho, pero no deja de ser una buena y hermosa película animada que vale la pena ver.
Una historia de amor adolescente que te lleva de la mano por el convencionalismo, a la comedia romántica, a la ciencia ficción, y de ahí, se tuerce al drama puro, con un plot-twist que te deja sin aliento. Con una segunda parte capaz de sumergirte en depresión, reflexión y hasta arrancarte alguna lágrima, pero siempre, con un dejo de esperanza. Sin duda, Your Name es la película animada más emotiva en mucho tiempo.
A veces, el terror más efectivo viene de las historias más sencillas. Teniendo como marco el convencionalismo nostálgico de la España pre globalizada, Paco Plaza entrega la mejor película de terror sobrenatural del año. El gran trabajo del director, reside en la historia franca y directa, en la analogía de la adultez prematura; pero, sobre todo, el mérito yace en la conducción de sus actores infantiles y de la brillante Sandra Escacena, su protagonista revelación, donde sus reacciones honestas ante la creciente tensión sobrenatural que se apodera de su cotidianidad, se roban la película.
Desolador retrato del fin de un matrimonio. Sin concesiones, sin disfraces de civilidad, y con el egoísmo más absoluto. Todo ello en dos de las horas más desesperantes y frustrantes que uno puede vivir en un cine al ver una representación tan cruda de una relación. Cualquier dejo de empatía por uno u otro se acaba, cuando un acontecimiento relativo a su hijo, cambia la vida y poca relación de la expareja y la obliga a enfrentar el fin y comienzo de sus respectivos ciclos de vida. Imposible quedarse indiferente con el frío desarrollo de una aún más fría película que nos recuerda que el amor también se muere…
Qué difícil y superfluo sería categorizar The Love Witch como una película de Folk / Occult Horror (porque, además, no es técnicamente una película de terror, pero danza alegremente en los límites del género): La estética y ambientación soberbia que imprime su directora Ana Biller, la lleva más allá de todo ello: nos hace revisar si realmente esta película está hecha en la segunda década del siglo XXI, o si acaba de salir de una cápsula del tiempo. La directora la eleva a una categoría de homenaje vintage al cine setentero, pero a la vez, es una ingeniosa sátira de la época y da una profundidad única a su protagonista, y la irremediable espiral de visiones torcidas a la que nos conducen los estereotipos sexistas del amor, donde el verdadero terror, está en tener que cumplir con ellos… Una fascinante y hermosa película de brujería con carga feminista.
Incomprendido drama que llegó al cine vendida como película de terror y que provocó que decenas de personas abandonaran las salas. Sin embargo, la decepción desaparece, cuando entiendes que este hermoso y etéreo trabajo no lidia con el terror convencional, sino con el miedo social más universal y profundo: el miedo a ser olvidados. Esta narración contemplativa muestra la sola concepción de que un mundo que nos deja de lado es posible, y de terminar convertirnos en un fantasma en camino a desaparecer del recuerdo de los que nos rodean. Y David Lowery es capaz de captar perfectamente esa sensación. Uno de los momentos cinematográficos más hermosos del 2017.
El “debut” estadunidense de Yorgos Lanthimos no podía ser mejor: el griego ha cimentado en su filmografía un estilo de tensa calma que poco a poco deriva en la agonía silenciosa del descenso de sus personajes a la desesperación y perdición. Colin Farrell y Nicole Kidman abrazan la dirección del griego y entregan un drama que raya en el terror psicológico sobre lo convencional, donde no hace falta profundizar ni explicar la capacidad de dañar, sino se centra en las consecuencias de nuestras acciones, las brutales decisiones que debemos afrontar, aquello a lo que nos llevan nuestros propios actos egoístas… y por supuesto, en la imperiosa necesidad de la venganza.
Sin duda, la mejor película animada que vi en el 2017. La tierna historia de Calabacín, y cómo lo que parece destinado a un futuro trágico, se transforma, de la mano de la visión de un niño, en un encuentro con los momentos más sencillos de la vida, y con la conexión humana que le da una razón para seguir adelante al lado de su nueva familia. Inocentemente hermosa, divertida, emotiva, y esperanzadora: una historia que te roba el corazón y te ilumina el alma, contenida en una de las mejores películas animadas que he visto, no solo en este año, sino en el género como tal.
Es aquí cuando mi melomanía se junta con mi cinefilia. Tal vez me sea inevitable perder objetividad cuando aparece un documental sobre una de mis bandas favoritas, pero es que, más allá de fanatismos, estamos ante una agrupación que revolucionó la música… y casi nadie se dio cuenta de ello. We Are X es la historia no solo de X-Japan, la banda más grande de Japón; es también la vida de su creador y líder, Yoshiki Hayashi, y el reflejo de su inmensa soledad y casi crónica depresión: la capacidad del baterista / pianista de transformar su dolor y sus pérdidas en la música más hermosa y sublime, de fusionar géneros tan improbables como el Metal, la música clásica, el Punk, la Electrónica, y el movimiento Visual-Kei, desde hace 30 años, justo cuando nadie, absolutamente nadie más lo hacía… de cómo la fama no aliviaba sus penas y cómo, en la cima del mundo oriental, la muerte y el fundamentalismo religioso le arrebataron nuevamente todo… Es una hermosa narración de una historia de constante caída y redención, de reivindicación por una banda monumental que no está en los anales de la historia de la música simplemente porque “nació en el país equivocado” … pero We Are X es, ante todo, un excelentemente logrado documental, lleno de participaciones de miembros de la Cultura Pop, y obligado para cualquier curioso de los géneros cinematográfico y musical… aun si no conoces a X-Japan, es un documental que vale mucho la pena. Además, al final, realmente ni importa si eres fan o no… seguramente terminarás siéndolo…
No hay una forma sencilla de describir el turbulento relato que ha firmado Nicolas Pesce en su debut: la deshumanizadora vida de su protagonista, la ambientación lóbrega y a la vez artística que raya en el cine de arte de terror; o tal vez, la infame y triste historia de la construcción paulatina a lo largo de una vida de una mente torcida y perturbada. El desolador retrato de la formación psicopática de Francisca, tiene reflejo en los traumas de cualquiera, pero llevados a los monstruosos extremos que todos deseamos que jamás hayan alcanzado nuestros propios fantasmas del pasado… extrema, aterradora, abrumadora, artísticamente perturbadora… pero tal vez, la forma más sencilla, sería simplemente afirmar que The Eyes of my Mother es, no solo la mejor película de terror del año, sino uno de los más impactantes y retorcidos filmes que he visto en mucho, mucho tiempo.
Hace cuatro años vi Heli, un duro retrato de la violencia, el crimen, la pérdida de la inocencia y la descomposición social del México posmoderno. En aquel entonces, la efectividad del relato, la fotografía, y principalmente, esa escena clímax a través de la ventana, ya daba señales de que estábamos ante un joven realizador que podría hacer algo aún más grande… tan solo tres años después, esa promesa se ha cumplido: Amat Escalante entrega un cine crudo, sin concesiones, con la construcción parsimoniosa de una historia fantástica de terror, amor, erotismo, violencia, discriminación, placer y locura en un escenario de cotidianidad. Desde la primera secuencia – una joven alcanzando un orgasmo provocado por “algo” que se arrastra – sabemos que estamos ante una torcida y perturbadora historia de «amor», que, si bien es imposible no ver las claras referencias a la trilogía de la Depresión de Lars Von Trier en la magistral puesta en escena de la película (de lo mejor que he visto en el cine mexicano en mucho tiempo), o con la mítica Possession de Andrzej Zulawski, debido a la obsesión relacional con una criatura «Lovecraftniana«, Escalante es capaz de darle identidad a su trabajo más allá de dichas influencias, y profundiza su historia hacia la codependencia, el amor y la sexualidad como uno solo, y las atrocidades que podemos cometer a otros y a nosotros mismos en nombre de ello.
Tuvieron que pasar dos años a partir de su realización para que La Región Salvaje finalmente vea la luz en los cines comerciales. En los primeros meses de 2018 estará disponible, aunque seguramente con una distribución limitada… Así que, por favor, si la encuentras en cartelera, no dudes en verla: estamos ante una obra mayor del cine mexicano, y el amanecer del que será uno de los mejores cineastas de México del siglo XXI.
A destacar también en el cine independiente:
Brawl in Cell Block 99:
Si bien esta nueva obra de S. Craig Zahler no alcanza el nivel de genialidad de su anterior Bone Tomahawk, el relato del paulatino descenso al infierno de Bradley Thomas (una increíble actuación de Vince Vaughn) es una sensación de desesperanza que te contagia con cada acción del protagonista.
El Bar (2016):
El nuevo mega desmadre (en el mejor sentido) de Álex de la Iglesia es otro excelso thriller paranoico y claustrofóbico que te tiene al borde del asiento. Con menos humor negro que de costumbre, pero igual de notable, como casi toda su carrera
Poesía Sin Fin (2016):
La segunda parte de La Danza de la Realidad continua con la autobiografía del polémico director Alejandro Jodorowsky, y, al igual que la anterior, ésta es igual de hermosa, surrealista y personal. El Jodorowsky menos bizarro, pero el más emotivo.
Free Fire:
Como dijera el inmortal Chava Flores: Dos horas de balazos… Sin que casi nadie lo note, Ben Wheatley lleva una extravagante filmografía casi perfecta. Y esta vez entrega una poco convencional película de acción “a ras de suelo”, con una cast excepcional.
Grave:
La nueva joya del extremismo francés sí respondió al hype. Brillante película de terror caníbal con un impactante clímax y una excelente analogía de la entrada de una niña a la adolescencia.
Seoul Station (2016):
La precuela animada de la mejor película de zombis de esta década (Train to Busan) no podía ser menos trepidante y salvaje. Perfecto complemento a la ahora joya de culto.
Colossal
Extraño filme de comedia / ciencia ficción y analogía de la violencia de género. A través de un monstruo gigante y una vida desperdiciada. Imperdible.
Personal Shopper (2016):
Entre el terror y el thriller, Kristen Stewart carga ella sola esta película, y vuele a dejar claro que es una increíble actriz. Qué lejos ya están los vampiros veganos al ver su soberbia actuación.
Lady Bird:
No sé si merece todo el hype que está obteniendo, pero es una película “bonita”: bien hecha, excelentemente actuada, sencilla, y llegadora. El típico filme que no dejas de ver con una sonrisa.
The Void:
Con todo y sus huecos argumentales, tengo una enorme debilidad por los filmes lovecraftnianos: The Void es una de las mejores películas de terror del año, con una estética impresionante a pesar de su bajo presupuesto.
Song to Song:
Como casi todo lo que firma Terrence Malick, es tan artística y profunda, como pretenciosa (hubiera sido mucho mejor si tuviera un guion y menos improvisación), pero es una excelente y emotiva representación de dos relaciones unidas y separadas por la música como negocio (y una también excelente actuación / improvisación de todos los participantes).
…
Series de TV:
(Atención: algunos de estos tráileres tienen spoilers de sus temporadas anteriores. Si tú no has visto nada de estas series, pero te llamaron la atención, NO veas los videos que acompañan al texto.)
Lo que parecía una ridícula e innecesaria idea de revivir en la TV la que es considerada la mejor película de terror de todos los tiempos, FOX se las arregló para salir airoso y entregar una notable secuela a la historia que nos contara magistralmente William Friedkin hace 45 años. Aún más improbable, era que una segunda temporada, con un presupuesto más ajustado, y ya totalmente ajena a la saga original, tuviera éxito, sin embargo, nuevamente lo lograron: The Exorcist tiene ya su propio universo, sus propias reglas y sus propios protagonistas; y nos sigue contando el extraordinario viaje de dos curas rebeldes que persiguen demonios mientras huyen de una conspiración de El Vaticano. Nadie se lo hubiera esperado, pero es una de las mejores series de terror de la actualidad.
El spin off / precuela de una de las mejores series de TV que se han realizado, ha encontrado en una buena parte de críticos y audiencia, la polémica visión de que, la historia de Jimmy McGill y su camino a transformarse en Saul Goodman, es incluso mejor que Breaking Bad… Estén de acuerdo o no, lo cierto es que, el paulatino descenso a la corrupción, aunado a un incremento de historia del cautivador Mike Ehrmantraut, (más la aparición en escena del mítico mafioso Gus Fring), dejan claro que, por lo menos, está al mismo nivel que su material original.
La dignísima precuela de una de las mejores películas de la historia, entregó en esta quinta y final temporada, la consolidación de la locura y construcción de la personalidad de Norman Bates y brinda un par de plot-twist casi tan buenos como el del material de Hitchcock. La serie ha sido lo suficientemente inteligente para permitir una reinvención y actualización de uno de los personajes Pop más icónicos del terror. Brillante cierre que honra el material original, entrega emociones, y confirma que Freddie Highmore es uno de los mejores actores de su generación.
Es notable que, a pesar de que la tercera temporada de esta serie basada en la película de culto de los hermanos Coen es «menos buena» que sus dos anteriores entregas televisivas, sigue siendo uno de los mejores momentos de las TV en el 2017. Tanto la historia como los personajes son extravagantes, patéticos, irónicos, tristes, intrigantes y cargados de humor negro por partes iguales, desarrollados bajo un guion y un reparto extraordinarios.
Estaba en un viaje de avión de 11 horas donde pretendía dormir el mayor tiempo posible, pero me encontré en la oferta de entretenimiento del vuelo, esta serie que terminé viendo casi de corrido. Y es que la distopía patriarcal de Hulu es tan cautivadora, impactante y abrumadora, que tiene esa capacidad de atraparte y no soltarte. En un futuro donde los niños han dejado de nacer, el gobierno decide que las mujeres deben perder sus derechos con el fin de obligarlas a procrear y asegurar una nueva generación. Excelentemente actuada, editada y ambientada. La torcida premisa de esta serie ya no parece tan horriblemente descabellada ante la coyuntura que vivimos. Imperdible.
El que esta serie esté ganado todos los premios de la TV, no es hype ni sorpresa. Una historia cotidiana de una zona urbana de clase alta estadunidense, es el pretexto para entregar el que tal vez sea hasta la fecha el mejor retrato de estereotipos y violencia de género. Una trama convencional que puede reflejarse en muchísimas historias de mujeres a nuestro alrededor, donde la pertenencia e imagen social son capaces de enmascarar los problemas y horrores más oscuros de una sociedad anacrónica, con un discurso sutil y empático, y del que nadie puede escapar. En un momento tan importante para la equidad en la industria del entretenimiento (y ante la sobrevaloración de series como Sex and the City u Orange is the New Black, que solo promueven los mencionados estereotipos disfrazados de falsa equidad o reivindicación), Big Little Lies se vuelve relevante, necesaria, e indiscutiblemente, se afinaza como la mejor serie feminista que se ha hecho en la Televisión.
Si lo suyo es la estructura, la lógica y el convencionalismo, aquí pueden dejar de leer… pero hay un motivo real por lo que revistas especializadas y críticos han roto con las “reglas” y colocado Twin Peaks, una serie de TV, en la cabeza de sus listas de lo mejor del cine (Estuve tentado a hacer lo mismo, aunque al final desistí de ello; pero, de hecho, ésta serie es el motivo por el cual, por primera vez, incluí una lista de televisión). Y es que a pesar de que difícilmente es una serie que puedes recomendar abiertamente por ser un ejercicio surrealista que puede simplemente chocar a muchas personas, lo cierto es que David Lynch salió del retiro para demostrar cuánta falta hace en el arte visual hoy en día. Twin Peaks: The Return es simple y sencillamente el momento más artístico y bizarro (en todas las acepciones con las que quieran interpretar la palabra) que se ha hecho en la televisión… ¿Cuántos directores y cuántas series pueden presumir que han cambiado el paradigma de un medio, no una, sino dos veces? Hace 25 años, David Lynch y Mark Frost vendieron a la ABC un thriller policiaco y sobrenatural disfrazado de telenovela, que acabó de golpe con una de las épocas más conservadoras de la TV. Su éxito los llevó a una segunda temporada donde Lynch abandonó el barco y entregó al menos 10 capítulos absolutamente cursis y olvidables, lo cual derivó en la cancelación de la serie… Un cuarto de siglo después (y tras un jaloneo que incluyó un nuevo abandono y regreso), Lynch consiguió libertad pura y absoluta para plasmar su extravagante visión, y entregó básicamente, una película de 18 horas, donde conviven en partes iguales el humor, el drama telenovelesco, el misterio, el terror y el surrealismo, donde los dos autores expanden su universo, que nos lleva desde el asesinato que conmovió a un pequeño pueblo, hasta paradojas del tiempo y el espacio, y el origen mismo del bien y el mal en este y otros mundos… No es una serie fácil: hay momentos que cuesta seguir la línea de la historia, puede ser desesperante y hasta absurda; pero sin duda, es una obra que demuestra que en la cultura de masas también puede crearse arte puro, y que – otra vez – cambiará para siempre las reglas de cómo hacer Televisión…
Melomaniaco. Cinefílico. Socioloco. Marketinsano. Políticonoclasta.
Doctor en Ciencias Sociales.
Analista de Medios, Opinión Pública, Marketing, Cine y Cultura de Masas, con enfoque social.
Vocalista y compositor con 6 producciones discográficas y más de 20 años de experiencia en la escena.
Hago música en: http://vlack.mx
Hablo de cine en: https://facebook.com/nonotecapodcast
