El cine esencial de la década (2010 – 2019)

Parte 2 de 3: Top 25 – 1

25. The Big Short / Vice
Adam McKay | Estados Unidos | 2015 / 2018

Pocos filmes tuvieron la calidad suficiente y el balance perfecto para entretener y hacer crítica a la posmodernidad como estos dos trabajos de Adam McKay, director con una gran habilidad contar historias políticas con un ritmo que jamás decae, mientras lo hace a través de comedias tan negras como los capítulos históricos que cuenta: La indispensable The Big Short, narra el cinismo y voracidad que causaron en 2008 la mayor crisis capitalista del siglo XXI, mientras que, Vice es un filme cuasi documental sobre el ascenso al poder de uno de los personajes más oscuros de la política estadounidense, y principal responsable de una de las guerras más infames de este siglo… Lecciones de capitalismo rapaz en pleno, ambas con un cast soberbio… sería divertidísimo, si no estuviera basada en hechos reales.

24. Mandy
Panos Cosmatos | Estados Unidos | 2018

Cuando una película comienza plasmando sus intenciones artísticas al compás de Starless de King Crimson, y su imaginario tiene referencias a los padres de la música extrema Celtic Frost, sabes que estás por comenzar un viaje abrumador: La nueva obra de Panos Cosmatos está tan fuertemente sustentada en su ambientación y su apreciación visual, que es difícil encontrar la palabras adecuadas para describirla: trágica, extrema, ocultista, surrealista, psicotrópica… Mandy es uno de los momentos más oníricos de la década: es una pesadilla hecha película, bajo el pretexto de un explícito y salvaje thriller de venganza. Destinada a convertirse en una película de culto, y que cuenta con la mejor y más delirante actuación de Nicolas Cage en 20 años.

23. Whiplash / La La Land
Damien Chazelle | Estados Unidos | 2014 / 2016

Damien Chazelle logró su consagración esta década con dos filmes imprescindibles sobre la música y la dura realidad de intentar vivir de ella: Whiplash muestra el otro lado de amar la música: La disciplina. Y no recuerdo haber visto un personaje más frío e implacable para demostrarlo como el que interpreta de manera magistral J.K. Simmons, maestro y director de orquesta que atrapa a un talentoso baterista en una espiral de obsesión por la perfección; mientras que La La Land es simple y sencillamente, la Singin’ in the Rain del siglo XXI: donde en una producción plagada de guiños al cine musical, entrega media película hecha bajo todos los cánones del cine de hace 70 años, en coreografía, música, trama casi inocente, y sobre todo, con la química absoluta de sus dos protagonistas, Ryan Gosling y Emma Stone, quienes tienen la enorme capacidad histriónica para cargar este homenaje a los clásicos, así como la fuerza para convertir la segunda parte de la película en un emotivo drama… Chazelle ha demostrado que tiene todo para convertirse en uno de los mejores cineastas de la actualidad, dado que técnicamente, sus películas son prácticamente perfectas: su manejo de cámaras, su puesta en escena, su fotografía… una clase de cómo hacer cine, tanto técnica como artísticamente.

22. Her
Spike Jonze | Estados Unidos | 2013

Uno de los momentos más humanos del cine en esta década llegó de la mano de una película de Ciencia Ficción disfrazada de Drama. La abrumadora y a la vez minimalista actuación de Joaquin Phoenix es fundamental para identificarse a nivel muy profundo con la realidad que nos propone Her; con la forma de afrontar el amor y la soledad, en un mundo cada vez más conectado y a la vez más aislado de sí mismo… ¿Es amor a lo que no existe? ¿Amor a uno mismo? ¿O amor a lo que nunca podremos tener? Hermosa y deprimente en partes iguales, Her es una fábula de la posmodernidad, del amor líquido, del irracional terror que tenemos a la soledad y cuánto deseamos escapar de ella, sin importar que ésta resida en nosotros mismos…

21. Man of Steel / Batman v Superman: The Origin of Justice (Director’s Cut)
Zack Snyder | Estados Unidos | 2013 / 2016

Toda lista de “best of” tiene al menos una entrada en oposición al pensamiento generalizado y que hace dudar de la autoridad moral de quien escribe (o al menos, pensar que es una mera provocación) … He aquí, por partida doble, la mía:

Zack Snyder, el hombre que entregó la década pasada la mejor película sobre superhéroes que se ha hecho, cometió la “osadía” de borrar la imagen pura e inmaculada de Superman para humanizar al personaje, cargándolo de traumas, de culpa, de búsqueda de identidad y con una interpretación propia de un superhombre entre los mortales, un dios incontrolable, con defectos humanos, con lapsus egoístas, que puede pasar en un santiamén de un mesías, a una gran amenaza… su visión desmitificada es extendida hacia su siguiente película (en versión del director) plasmando el conflicto social de los humanos ante la materialización de sus utopías religiosas; y el complejo divino / filial de sus contrapartes / némesis que buscan confrontarlo, controlarlo, eliminarlo y la vez, saciar sus culpas y traumas ante él: un Batman brutal, envejecido, amargado y misántropo (la mejor representación en el cine Live-Action de la idiosincrasia del murciélago) y un Lex Luthor reprimido, narcisista y lidiando con la implacable imagen de su padre / ser omnipotente, cuya motivación yace en la premisa nietzscheniana de matar a Dios, y las premisas freudianas de acabar con el tótem y matar al padre de la horda… BvS es, entonces, el choque existencial de los traumas de los tres (más el glorioso deus ex machina del otro gran icono de DC)… Demasiadas oscuras y profundas para la infantilización que Marvel popularizó para los filmes de este naciente subgénero, pero el tiempo siempre termina dándole la razón a Snyder, y estas dos películas demuestran que la verdadera esencia de una gran historia de superhéroes, es la lucha interna y emocional para lidiar con un superpoder suprahumano en manos de un humano lleno de defectos… por favor, véanlas sin prejuicios… #ReleaseTheSnyderCut

20. The Broken Circle Breakdown [Alabama Monroe]
Felix Van Groeningen | Bélgica | 2012

Un retrato de lo que significa realmente el querer pasar con alguien el resto de tu vida. Dos seres libres, muy libres, que un día el destino lo hace acercarse a la normalidad, y es el mismo destino, a través de una crisis familiar, el que pone a prueba lo que realmente significan el uno para el otro, reflejándolo tanto en su vida diaria como en los momentos en que su relación se traslada a un escenario de Bluegrass (también sublime la banda sonora). Es un filme apasionado, conmovedor e imperdible, con uno de los finales más hermosos y emotivos que he visto en años…

19. Ah-ga-ssi [The Handmaiden]
Chan–Wook Park | Corea del Sur | 2016

Cada trabajo, cada escena, cada historia que es capaz de contar Chan–Wook Park, es simple y sencillamente una obra maestra. The Handmaiden es una película cambiante con cada plotwist de la misma: lo que al principio parece un drama / romántico de absoluta ternura, se convierte en un thriller erótico / psicológico con tintes de humor negro cuando la perspectiva del relato cambia de punto de vista. De Justina Julieta y de regreso: Al final, uno es incapaz de saber qué género cinematográfico está presenciando, pero cada enfoque, cada visión encontrada dentro de esta obra, es contada con una perfección milimétrica por Park: probablemente el mejor director del cine de la actualidad.

18. Amour
Michael Haneke | Francia | 2012

Michael Haneke declaró que cuando comenzó con la idea de hacer una película como Amour, quería hacer un filme decisivo y esencial de lo que realmente significaba amar… y, en mi humilde punto de vista, lo logró: Amour es justamente el reflejo cinematográfico definitivo del amor: Hermosa y desoladora, esperanzadora y devastadora, capaz de hacerte volar y después estrellarte en el suelo… un drama que te deja sin palabras y con un nudo en la garganta, y con un final estremecedor… y precisamente por ello, y a pesar de ser probablemente la mejor cinta del Austriaco y una de las películas fundamentales de este siglo, habremos quienes jamás  la querremos volver a ver…

17. Nymphomaniac / The House that Jack Built
Lars Von Trier | Dinamarca / Francia | 2013 / 2018

Nunca ha sido fácil acercarse al cine del danés: sus detractores lo consideran poco menos que un provocador pretencioso, y tal vez no les falte algo de razón… pero, lo cierto, es que nada de las más o menos justificadas aversiones que hasta ahora puedan tener sobre Lars Von Trier, opaca que es uno de los mejores directores de cine del planeta… En ambas cintas entabla un diálogo permanente entre sus dos protagonistas, quienes, otra vez, son una proyección del Alter Ego y el Super Yo del mismo director. Nymphomaniac es un manifiesto feminista de libertad sexual y crítica a una sociedad patriarcal disfrazado de película cuasi porno de 5 horas, apoyado en el mejor elenco que ha juntado el director en su filmografía.  En contraparte, The House that Jack Built cuenta la historia de un asesino serial con una visión feminicida, el cual, narra sus brutales asesinatos con lujo de crudeza y detalle, exponiendo los pensamientos más controversiales de su autor bajo el mejor guion que el danés ha escrito y un repaso de todos los estilos y recursos cinematográficos que han dado forma a su impecable filmografía.

16. Inside Llewyn Davis
Ethan & Joel Coen | Estados Unidos | 2013

La idea neoliberalista de que “querer es poder”, que “el talento y la actitud bastan para triunfar”, ha causado un impacto y daño inmensurable en nuestros sueños personales y generacionales: Porque un día, te vas a estrellar contra la realidad y darte cuenta de que tal vez seas el mejor, el más talentoso y brillante, y que tienes toda la capacidad del mundo para cumplir tus sueños y vivir de tu arte… pero, al final, tal vez eso no sea suficiente… y esa amargura, esa frustración por no poder alcanzar, por no saberte explicar el porqué, por no entender el cómo, terminará por amargar tus emociones y convertirte en un ser humano que lo único que te salve del calificativo de despreciable, sea que eres un gran artista… y a pesar de ello, tu sueño, sigue intacto incluso mientras tu vida se cae a pedazos… ése es Llewyn Davis, el reflejo de tantos y tantos artistas frustrados ante una realidad que no pueden combatir ni cambar: Un retrato deprimente de lo que significa seguir tus sueños contra viento y marea, contra tus propios defectos como humano… Los hermanos Coen tiene una filmografía excelsa, pero tal vez sea ésta, su visión del alma y espíritu fracturados de un músico frustrado, el momento más alto, emotivo y desolador de toda su carrera.

15. La Región Salvaje
Amat Escalante | México | 2017

La gran promesa del cine mexicano es ya una realidad: Amat Escalante entrega un cine crudo, sin concesiones, con la construcción parsimoniosa de una historia fantástica de terror, amor, erotismo, violencia, discriminación, placer y locura en un escenario de cotidianidad. Desde la primera secuencia sabemos que estamos ante una torcida y perturbadora historia de “amor”, que, si bien es imposible no ver las claras referencias a la trilogía de la Depresión de Lars Von Trier en la magistral puesta en escena de la película (de lo mejor que he visto en el cine mexicano en mucho tiempo), o con la mítica Possession de Andrzej Zulawski, Escalante es capaz de darle identidad a su trabajo más allá de dichas influencias, y profundiza su historia hacia la codependencia, el amor y la sexualidad como uno solo, y las atrocidades que podemos cometer a otros y a nosotros mismos en nombre de ello… Una obra mayor del cine mexicano, y el amanecer de uno de los mejores cineastas de México del siglo XXI.

14. Under the Skin
Jonathan Glazer | Reino Unido | 2014

Aceptémoslo, ¿cuántos no llegamos a esta película por cerdos morbosos de ver el desnudo integral de Scarlett Johansson?… pero, al final, resulta que eso es absolutamente intrascendente. Under the Skin terminó siendo uno de las más imponentes expresiones artísticas cinéfilas en esta década: Hipnótica historia de aliens contada bajo una dirección, ambientación minimalista y música, tan hermosas como perturbadoras; coronada por los guiños al cine de Kubrick y la mejor actuación de Johansson, dan como resultado el axioma absoluto de lo que se entiende por Cine de Arte de Terror

13. Inception
Christopher Nolan | Estados Unidos | 2010

Son tan extremos los sentimientos que se tienen hacia Nolan, que parece casi imposible establecer realmente su aportación al cine. Mucha gente lo tacha de sobrevalorado y pretencioso, mientras que para otros es un ídolo que revolucionó el séptimo arte… aunque mucha gente podría pensar que dicha división surge a partir de las pasiones de su anterior y fundamental The Dark Knight, lo cierto es que fue en Inception, donde sus fans perdieron la cabeza, y aun sus críticos más férreos ha tenido que aceptar que ésta, su mejor película, es un referente del cine de ciencia ficción, por su estética, su complejidad , las actuaciones de todo su cast, y su soberbia dirección de cámara, de arte, y su uso de efectos especiales… Cuando una obra tiene la capacidad de iniciar un debate al respecto de si su creador es o no un icono atemporal del séptimo arte, algo debe estar haciendo bien.

12. La Grande Bellezza
Paolo Sorrentino | Italia | 2013

“Yo no quería ser simplemente un hombre mundano… quería ser el rey de los mundanos…” La declaración de principios de Jep Gambardella, no solo es la premisa de una brillante reconstrucción conceptual de La Dolce Vita de Fellini y una de las mejores películas que ha salido de Italia, sino que es además, el reflejo de todas esas personas que han abandonado la cotidianidad para hacer del carpe diem su filosofía de vida, hasta que una mañana posterior a la enésima noche del más puro y narcisista hedonismo, descubres que simplemente estás cansado… y que la vida se ha ido en una falsa percepción de que vivir, es vivir al extremo… y entonces, absorto en el silencio, en esa pausa de reflexión, en ese momento de apreciación y contemplación, llega el autodescubrimiento… “la gran belleza” es aquello que todos buscamos desesperadamente, aquello que anhelamos y que se nos va la vida en ello… pero lo cierto, es que, al final del día y la final de la vida, descubrimos que no sabemos realmente dónde carajos debimos buscarla… ninguna película, al menos en esta década, ha plasmado mejor el repentino sentimiento de vacío existencial que te alcanza cuando descubres que dicha búsqueda ha sido en vano, ni tampoco lo había hecho de una manera tan hermosa como Sorrentino lo hizo en este ya clásico del cine europeo de la década.

11. Black Swan
Darren Aronofsky | Estados Unidos | 2010

“Genio y artista” … “provocador sobrevalorado” … son dos definiciones que alguna vez leí para definir a Darren Aronofsky… Desde su fundamental Pi, y después con su divisiva hacia los extremos Requiem for a Dream, el neoyorquino nunca deja indiferente a nadie, no solo por su inmaculada técnica cinematográfica para fotografiar la crudeza, para dotar de belleza casi apológica los momentos más bajos de un ser humano y por sus historias fuera de todo convencionalismo… pero tanto en sus momentos más oníricos como terrenales, lo que mejor sabe hacer Aronofsky, es plasmar la locura, frustración y oscuridad humana, el crear personajes que la vida ha llevado al extremo, al borde del abismo y a punto de explotar… Todos sus excesos y elocuencias internas alcanzan su cenit en Black Swan, con una frágil y reprimida Nina (una brillante Natalie Portman en el papel de su vida) cuyo sueño hecho realidad desata una lucha contra sus demonios familiares, internos y externos, contra sus deseos por liberar sus instintos, sus pasión, su talento, pero, al mismo tiempo, su lado más monstruoso; todo ello al ritmo, compás y cadencia de las sublimes notas de  Tchaikovsky… el terror psicológico, a veces tan menospreciado y malentendido por fans superficiales del horror, no tuvo un momento más sublime, hermoso y humanamente torcido en esta década, que la danza disociativa de Nina Sayers…

10. Twin Peaks: The Return
David Lynch | Estados Unidos | 2017

(Bueno, si la influyente y prestigiosa revista “Cahiers du Cinéma” se atrevió a romper las reglas… ¿por qué nosotros no?)

Sí, en el sentido estricto, es una serie de TV…  pero en el sentido artístico, es el réquiem de David Lynch: un filme monumental en todas sus acepciones… Si lo suyo es la estructura, la lógica y el convencionalismo, aquí pueden dejar de leer…  porque, a pesar de que difícilmente es una serie que puedes recomendar abiertamente por ser un ejercicio surrealista que puede simplemente chocar a muchas personas, lo cierto es que David Lynch salió del retiro para demostrar cuánta falta hace en el arte visual hoy en día. Twin Peaks: The Return es simple y sencillamente el momento más artístico y bizarro (en todas las acepciones con las que quieran interpretar la palabra) que se ha hecho en los medios visuales… ¿Cuántos directores y cuántas series pueden presumir que han cambiado el paradigma de un medio, no una, sino dos veces? Hace 25 años, David Lynch y Mark Frost acabaron de golpe con una de las épocas más conservadoras de la TV … 25 años después Lynch entregó básicamente, una película de 18 horas, donde conviven en partes iguales el humor, el drama telenovelesco, el misterio, el terror y el surrealismo; paradojas del tiempo y el espacio, y el origen mismo del bien y el mal en éste y otros mundos… Es una obra que demuestra que en la cultura de masas también puede crearse arte puro.

9. Blade Runner 2049
Denis Villeneuve | Estados Unidos | 2018

Pocas, muy pocas veces uno se encuentra ante una obra que marca una época, que concentra todo lo que representa el cine como arte y como entretenimiento, y que, por increíble que parezca, es una segunda parte de un clásico atemporal que definió a un género del cine… Pero lo cierto, es que, a pesar de sus detractores, a pesar de que hay quien afirma que no tiene suficiente acción, Blade Runner 2049 es, simple y sencillamente, una obra maestra: capaz de brillar por sí misma, como pieza técnica, como obra de arte, y como secuela imposible, al mismo nivel que la original, con un respeto absoluto por sus orígenes, con una expansión lógica y mágica de su universo… Denis Villenueve entregó una de las mejores películas de ciencia ficción de este siglo, y de paso, se consolidó como uno de los mejores directores de la actualidad (no en vano, prácticamente todas las películas que hizo en esta década están en este top) … Éste es el camino para continuar un legado, expandirlo y mejorarlo; el camino para humanizar la visión distopia tecnológica, para revivir caracteres icónicos y para añadir personajes inolvidables… La premisa básica de la Ciencia Ficción es encontrar en la existencia tecnológica, nuestra humanidad; en otros mundos, el valor del nuestro; y en los actos imposibles, el valor de lo esencial de la vida… Y Blade Runner 2049 cumple con todo ello. Es un clásico de esta generación.

8. Zimna Wojna [Cold War]
Paweł Pawlikowski | Polonia | 2018

Cuando Paweł Pawlikowski estrenó Cold War, pocos se imaginaban que se convertiría en una película tan fundamental: una historia romántica que comienza en la Polonia comunista de la posguerra y que nos lleva a un agridulce viaje de 20 años de idas y vueltas de dos seres cuyo amor no se destruye, sino se transforma al compás de los cambios de escenarios personales, musicales y políticos a su alrededor: los sentimientos se mantienen, pero se vuelven cada vez más difíciles de transmitir y ejecutar en el tempo que dicta un mundo que se transforma, evoluciona e involuciona… Técnicamente perfecta, cinematográficamente hermosa, dramáticamente abrumadora. El retrato definitivo del amor y de la música, dándole perfecta definición a ambos conceptos: grandilocuentes, llenos de belleza, desoladores, esperanzadores, parte de tu felicidad y de tu soledad… pero al final, ambos son el motor para seguir adelante en tu batalla diaria contra el mundo.

7. Relatos Salvajes
Damián Szifrón | Argentina | 2014

Seis historias cortas cargadas de humor negro, emoción e intriga cuyo concepto gira, justo como su nombre lo indica, alrededor ese momento crucial en la vida de toda persona en el que la razón se escapa y no queda nada más que la locura y el más primitivo salvajismo humano: en ese punto de inflexión donde ya no hay regreso a la cordura… Cada una de las historias, extraordinariamente actuadas, dirigidas y escritas, está desarrollada con un nivel superlativo que sólo puede llegar a ser superado por la siguiente. El lado más salvaje del ser humano, reprimido por su propia sociedad, encuentra el punto de fuga que nos arranca de un mundo de pretensiones, apariencias y pequeñas agresiones que nos obligamos a tolerar por parte de los traumas de aquellos a nuestro alrededor. No puedo imaginar a alguien que no sea capaz de identificarse, según su propia historia personal, con alguno de los momentos de demencia que nos arroja el director Damián Szifrón y muy dentro de sí mismo pensar: “como quisiera hacer lo mismo…” Relatos Salvajes es uno de los mejores filmes argentinos, no solo de la década, sino probablemente de todos los tiempos…

6. Roma
Alfonso Cuarón | México | 2018

La fuerza e impacto de Roma no reside en su nivel de entretenimiento: ya ha quedado claro que, quien busca exclusivamente eso en el cine (y no tiene nada de malo hacerlo), NO lo va a encontrar aquí… la fuerza de este filme reside en representar, a partir de una historia cotidiana, un signo de su tiempo… Roma es un retrato del oxímoron de la idiosincrasia y consciencia de clase mexicana: no es la victimización, ni la romantización, ni tampoco la apología de la clase trabajadora, sino un retrato de la normalización de la desigualdad y el significado de las relaciones sociales, donde somos capaces de sentir parte de nuestra familia a alguien que inconscientemente no creemos que «valga lo mismo» que nosotros… Es el relato de un acontecimiento negro en un México (cuya historia está plagado de ellos), y la historia de las mujeres que no son libres de sentirse como se les dé la gana ante sus propias vidas y vicisitudes, porque tienen un lugar social que no deben abandonar… Por si no fuera suficiente, Roma es también una clase maestra de cine: un filme soberbio en su puesta en escena, su dirección de arte, su montaje, su manejo de cámara, su precisión técnica, su edición de sonido, su magistral ambientación y (a pesar del odio y críticas sin fundamento técnico) las increíbles actuaciones de sus dos mujeres protagonistas… Roma es, en breve, una obra maestra: la mejor y más personal película de Alfonso Cuarón. Técnicamente perfecta, artísticamente sublime, emotiva hasta las lágrimas, una carta de amor a la infancia del autor, a nuestra idiosincrasia y nuestras costumbres antropológicas mexicanas… Y simple y sencillamente, una de las mejores películas hechas en México en este siglo.

5. Scott Pilgrim vs the World
Edgar Wright | EUA / Reino Unido | 2010

Cuando uno comienza a ver Scott Pilgrim vs The World lo hace con el único fin de divertirse un rato y desconectarse del mundo, pero sin darte cuenta, entre cada gran momento de su formidable guion cargado de humor cínico y gags millenials, terminas descubriendo que estás con un símbolo generacional. Scott Pilgrim es brillante en todo sentido cinematográfico: su edición, su guion, sus efectos, sus personajes, su formidable cast (que repuntara las carreras de una buena parte de sus participantes), además de ser otro grandísimo acierto en la prácticamente perfecta filmografía de Edgar Wright, al lograr mantenerse fiel a la obra original, sin perder su identidad como autor… Es un inteligente y divertidísimo retrato del cinismo, el amor líquido el desenfado y la obsesión por el Yo de una generación que, si bien han perdido piso sobre su pasado y evadido la responsabilidad de su futuro, también ha tenido que aprender a vivir levantándose de cada tropiezo que se dan con las piedras que les hemos dejado en la sociedad; una generación que las más envejecidas mentes han menospreciado tanto en las industrias culturales como en la vida real… Scott Pilgrim vs The World no solo es la mejor comedia de la década, uno de los mejores filmes sobre la música, y una de las mejores adaptaciones del noveno al séptimo arte de todos los tiempos: es también el momento cumbre de la cultura geek / friki del siglo XXI, el producto fundamental que define a toda una generación, y un axioma absoluto para entender la posmodernidad…

4. Snowpiercer
Bong Joon-ho | Corea del Sur | 2013

¿Cómo describir Snowpiercer? Supongo que ayudaría afirmando que es el mejor filme de Ciencia Ficción en mucho tiempo… Pero también es una película llena de momentos memorables, de secuencias magistralmente filmadas, de escenas atemporales en la historia del subgénero (la secuencia de El Puente Yekaterina es tal vez uno de los momentos más espectaculares y surrealistas del cine de Sci-Fi), con una historia original, giros en la trama, una dirección de arte impresionante, secuencias de acción intensas y emocionantes, y con actuaciones soberbias de casi todos sus protagonistas (aunque ninguno tan cercano a la joya de la corona: Tilda Swinton, la mejor actriz de la década y de la actualidad) y la consolidación de Bon Jonn-ho, el nuevo gran gurú del cine asiático… Snowpiercer es la conceptualización de la desigualdad, de la locura de masas, de clases, y de dogmas; es la representación visual más artística de la violencia, la crudeza y la desesperanza del capitalismo y la rebelión, y simple y sencillamente, una de las mejores películas distópicas, no solo de la década, sino de toda la historia del cine.

3. Mad Max: Fury Road
George Miller | Estados Unidos | 2015

Sí, Mad Max, cine sin aparentes pretensiones, un western moderno de persecución, resultó ser, la mejor película comercial de la década, y uno de los momentos cumbre del cine de acción / ciencia ficción de este siglo. Nadie esperaba que una preproducción tan caótica derivara en semejante obra magna, porque esta cinta de George Miller subió el estándar para medir una película comercial: la ambientación distópica / ciberpunk, la puesta en escena, la dirección de arte, las actuaciones, los personajes memorables (Charlize Teron como Imperator Furiosa pasará a ser uno de los iconos feministas y de las grandes guerreras del cine). Es incluso mejor que Road Warrior, la que era considerada la mejor la saga. No hay forma de describir la experiencia de ver Mad Max y no sentirse emocionado: es la prueba fehaciente de que el gran entretenimiento, la acción, la comercialidad y accesibilidad, nunca estarán peleados con el lado más artístico y profundo, y con todos los elementos de identidad que definen al cine de autor…

2. Melancholia
Lars Von Trier | Dinamarca / Francia | 2011

Para este top, hubiera sido muchísimo más fácil agrupar todo lo que LVT hizo en la década (como convenientemente lo hicimos con otros autores) pero lo cierto, es que a pesar de que en este mismo cierre de la lista ya estaba todo el actual trabajo del danés, es en Melancholia donde Lars Von Trier tocó el firmamento…

Ésta es la película imposible de concebir por parte del hombre que 25 años antes creaba el manifiesto fílmico / artístico / radical / minimalista de Dogma 95, que buscaba regresar el cine a su realismo inicial… pero este momento de abandono a sus propios principios, esta fase traidora y diametralmente opuesta de sus inicios, le valió al polémico, amado y odiado por igual Lars Von Trier, convertirse en uno de los mejores directores de toda la historia del cine:

Al igual que en su anterior y aún más polémica Antichrist, esta segunda parte de su Trilogía de la Depresión arranca con un soberbio plano en Phantom que solo es posible definir como un lienzo en movimiento, donde Von Trier establece nuevamente la dirección de arte basada en sus espectaculares efectos visuales y que plantean el nuevo manifiesto cinematográfico que tendrá el resto del filme como bandera: Melancholia no solo es visualmente abrumadora y soberbia  (y de paso el punto más alto de la carrera de Kristen Dunst); no solo es un retrato en excelsa estética del fin del mundo y las relaciones familiares ocultas a los ojos de la sociedad… Es también, tal como su nombre lo dice, la conceptualización y el pináculo de la depresión, es la expresión más dogmática e incuestionable de la melancolía: del momento justo de tu vida donde no hay sustento ni argumento para el sentimiento de que, literalmente, se te viene el mundo encima… 

Melancholia es el espectáculo sonoro y visual de la vida perdiendo el sentido; del pasado hecho polvo quedando en el olvido, y el futuro gritando su epitafio y convirtiéndose en Nada… aquí, el gran drama y amenaza No son dichas relaciones familiares y amorosas… aquí, la frustración No es la incomprensión por la pérdida de esperanza de quien parece tenerlo todo justo en “el día más feliz de su vida”… aquí, el pánico y el instinto desolador y abrumador No es el ineludible fin del mundo… Aquí, en esta tierra moribunda, solo existe la tristeza, aquí muere la esperanza, aquí fallece la fe… aquí solo vive el sentimiento de que la vida ya No tiene sentido y tal vez nunca lo ha tenido…

Nadie fue capaz de transmitir una emoción tan desesperanzadora, tan extrema y ensordecedora, y a la vez tan hermosa, atónita y sutil como Lars Von Trier en la que, sin duda es hasta ahora, su obra máxima, y uno de los momentos más estéticos, desoladores y claro, melancólicos, del séptimo arte en este siglo…

1. The Witch (A New-England Folktale)
Robert Eggers | Estados Unidos | 2015

La primera vez que vi The Witch simplemente me quedé en silencio, abrumado y atónito… Me percaté que estuve en esa condición desde al menos media hora antes de que terminara la película, porque desde ese mismo momento, sabía que estaba ante una obra mayor…

The Witch es cine de terror, pero va mucho, mucho más allá: ésta no es una película para una visión reduccionista del horror: estamos pues ante una obra que no te hará pegar brincos en tu butaca o tu sala, porque no está hecha bajo la cosmovisión del miedo para la posmodernidad… esto es, ante todo, cine de arte: y visto como filme de terror, éste ha sido creado, estructurado y construido como aquello que significaba el temor a lo desconocido desde la cosmovisión de los miedos del siglo XVII: El guion, la idea, la adaptación, todo está basado en documentos históricos que retratan el animismo e intolerancia de la humanidad… ahí reside la belleza de The Witch: la visión artística de Eggers nos transporta al oscurantismo de las sociedades protestantes de hace cuatro siglos, a la esencia y el concepto del bien y el mal dentro de su naturaleza, un retrato de horror idiosincrático… Y lo ha hecho de manera magistral. Transformó el subgénero y su concepto, y a golpes de cuernos de chivo, a ritmo de canción infantil hereje, hizo pedazos las reglas del terror.

The Witch es Folk Horror llevado a niveles superlativos, y es Art-House Horror: no aquel que destruye tus nervios o te acelera el ritmo cardiaco por un susto basado en la sorpresa, sino aquel que construye perturbación e incomodidad, el que te roba el aliento con su imaginario y el que abruma tus sentidos…. la belleza lóbrega de la segunda mitad de la película es algo pocas veces visto en el cine del siglo XXI; es una película sobresaliente en su construcción fílmica: está impecablemente escrita, dirigida, fotografiada, musicalizada y ambientada. Eggers ha dado vida cinematográfica a Goya, a Rubens, a Falero y a Caravaggio… The Witch podría estar colgada en un museo, pues el canadiense, simple y sencillamente, ha creado Cine Barroco.

Esta ópera prima es la representación máxima del cine como arte en esta década: perturbadoramente hermosa, y magistralmente ejecutada… y es que, más allá de su clasificación, estamos ante la indudable mejor película de la década, una de las mejores películas del siglo XXI, un nuevo ícono del cine hereje y ocultista, y uno de los filmes esenciales de terror en la historia del séptimo arte…  

The Witch es todo lo que nos hace amar el cine: nos hace abrazar la oscuridad y elevarnos en la noche; nos hace querer saborear la mantequilla, vestirnos hermosamente, ver el mundo… y vivir deliciosamente

[2/3] … Concluye en la siguiente página… (El resto del Top)

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